音樂概念

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絕對音樂

「絕對音樂」(Absolute Music)指的是純粹為了其內在音樂品質而創作和欣賞的器樂音樂,不帶有任何特定的外部或故事性含義。與旨在傳達特定敘事或情節的「標題音樂」不同,絕對音樂不受外部音樂聯繫或意圖的影響。它僅僅是為了探索和表現音樂本身的美感、情感和結構元素而創作。

絕對音樂的特點在於它聚焦於音樂元素的相互作用,如旋律、和聲、節奏、紋理和形式。絕對音樂的作曲家並不將特定的敘事、意象或概念附加到他們的作品中,這使得聽眾可以根據個人情感和經驗來解讀和欣賞音樂。絕對音樂的這種開放性質,讓聽眾能夠從純粹的音樂元素中提取出自己的意義和聯繫。

「絕對」(Absolute)一詞表明了這種音樂類型的自主性和自足性,突顯了它獨立於任何外部參考的特性。相比之下,標題音樂通常依賴於描述性的標題或附帶的文字,來引導聽眾對所要傳達的故事或場景的理解。

在歷史上,許多著名的作曲家,如約翰·塞巴斯蒂安·巴赫(Johann Sebastian Bach)、沃夫岡·阿瑪迪斯·莫札特(Wolfgang Amadeus Mozart)和路德維希·范·貝多芬(Ludwig van Beethoven)都創作了重要的絕對音樂作品,包括交響曲、奏鳴曲和室內樂。這些作品提供了深入的情感探索和音樂欣賞的機會,使聽眾能夠與音樂本身的精髓產生共鳴,而不依賴於外部聯繫。

絕對音樂在古典音樂的曲目和演出中佔有核心地位,它展示了作曲家的作曲才華和創造力,同時讓聽眾體驗純粹的音樂藝術。

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抽象音樂

「抽象音樂」(Abstract Music)是一種不以傳達具體故事情節或意象為目的,而是以純粹的聲音和音樂元素為焦點的音樂形式。這種音樂不受外在語言或故事的限制,而是通過音色、節奏、和聲和形式等音樂元素來表達情感、氛圍和抽象的思想。

抽象音樂強調音樂元素本身的價值,而不受特定主題、情節或意義的制約。作曲家通常不附加特定的文字敘述,而是通過音樂元素的組合和發展來創造情感和意境。這種音樂的解讀和感受通常更加主觀,聽眾可以根據個人的感受和想法賦予其意義。

抽象音樂的表現形式可以是多種多樣的,從簡單的聲音紋理到複雜的音樂結構。作曲家可以通過音樂元素的變化、對比和發展來營造出各種情感和情境,從而引導聽眾的情感體驗。這種音樂形式強調聽眾的主觀參與,使每位聽眾都可以從音樂中得到獨特的感受和體驗。

抽象音樂的價值在於它創造了一個開放性的空間,讓聽眾可以用不同的方式解讀和感受音樂。它突顯了音樂的表達力和無限可能性,同時也促使聽眾思考音樂元素和情感之間的聯繫。

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上行

「上行」(Ascending)是指從較低音移到較高音的過程。

舉例來說,當旋律上行時,意味著音符從較低的位置移到較高的位置。這可以出現在各種音樂情境中,包括旋律、音階、琶音或和弦。上行的樂句通常會創造出一種振奮、渴望或進展的感覺,因為它們自然地引起了增長和積極動力的感覺。

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無調性音樂

「無調性音樂」是指一種不以傳統調性為基礎的音樂風格,其中音符和和聲之間的關係不再受到明確的音階或主音的約束。無調性音樂在 20 世紀初開始出現,它突破了以往音樂的傳統和結構,創造了更加自由和實驗性的音樂形式。

無調性音樂是一種音樂創作的方法,旨在避免使用明確的調性結構,如主音和和弦進行。這種音樂風格不受固定音階、調號或和聲進行的限制,音符的選擇和組合更多地基於聲音的色彩、紋理和節奏等方面。這使得無調性音樂常常具有不穩定、不確定的音樂特徵,創造出具有獨特情感和聆聽體驗的音樂。

無調性音樂的創作方法可以包括利用半音階、不同音程和音色的組合,以及不傳統的節奏和強度的使用。這些元素使得音樂聲音多樣,產生了從冷漠和緊張到放鬆和冥想的不同情感和氛圍。

無調性音樂的出現對音樂創作帶來了全新的可能性,突破了傳統調性音樂的限制。許多 20 世紀的作曲家,如伊果·史特拉汶斯基(Igor Stravinsky)、阿諾·荀白克(Arnold Schoenberg)和安東·韋伯恩(Anton Webern)等,都採用了無調性音樂的方法,探索新的聲音世界。然而,無調性音樂也常常引起對於音樂結構和情感的重新思考,以及對於聽眾的挑戰。

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和音

「和音」(Consonance)是音樂中的一種「和諧質感」,指的是當兩個或更多音符同時演奏時,會創造出穩定且和諧愉悅的音響效果。「和音」的音程或和弦通常帶有和諧、協調和沒有張力的感覺。「和音」是「和聲」(Harmony)的基本要素,對音樂作品的整體音質和情感影響具有重要作用。

在音樂中,「和音」與「撞音」(Dissonance)形成對比,「撞音」是指音符一同演奏時創造出衡突和不穩定感的質感。「和音音程」通常聽起來令人愉悅和「和諧」,給人一種穩定和放鬆的感覺。常見的「和音音程」包括純五度、純四度和大三度。

「和音」在塑造音樂的整體聲音和情感特性方面扮演著重要角色。它通常用於在音樂中創造閉合感、釋放感和放鬆感。例如,當使用「撞音和弦」(Dissonant Chord)之後以「和音和弦」(Consonant Chord)回應時,會帶來一種令人感到完滿的釋放感和完整感。

在音樂創作和演奏方面,使用「和音」和撞音是一個基本元素。作曲家有策略地操控這些質感,以引起特定的情感反應,增強音樂的表現力。使用「和音」和「撞音」的手法有助於音樂作品中張力和釋放的起伏。

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下行

「下行」(Descending)指的是從較高音移到較低音過程。

舉例來說,當旋律下行時,意味著音符從較高的位置移到較但的位置。這可以出現在各種音樂情境中,包括旋律、音階、琶音或和弦。上行的樂句通常會創造出一種緩和、鬆弛或結束的感覺,因為它們自然地引起了下降和收束的感覺。

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撞音

「撞音」(Dissonance)是音樂中的一種「不和諧質感」,指的是當兩個或更多音符同時演奏時,會產生衡突和不穩定感的音響效果。「撞音」的感覺與「和音」相反,「撞音」通常帶有一種需要釋放的感覺,從而引起音樂中的緊張感或不確定情緒。

在音樂中,「撞音」與「和音」(Consonance)形成對比。「和音」通常能引起和諧或協調的感覺,而「撞音」聽起來可能相對較不穩定和不舒服。例如,小二度和大七度都被認為是「撞音」的音程,因為它們兩個音同時出現時產生的音調並不和諧。

「撞音」在音樂中有時被使用來創造情感的張力或表達特定的情緒。當一段音樂包含「撞音」的音程時,它可能會使聽眾感到不安或好奇,並期待著這種張力的釋放。「撞音」通常會引導聽眾的注意力,將其引導到之後的音樂部分,以便在音樂中產生情感上的高潮。

作曲家和編曲者通常會有意地使用「撞音」,以在音樂中創建戲劇性、情感豐富的效果。在音樂中交替使用「撞音」和「和音」,可以為音樂增強情感上的表達,以引導聽眾進入各種情感體驗。

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不確定性音樂

「不確定性音樂」(Indeterminate Music)是一種音樂概念,其中作曲家故意將一些元素留給偶然或隨機過程的影響,從而產生演奏中的不確定性和變化。

不確定性音樂的特點在於作曲家放棄了對作品的某些方面的精確控制,使演奏者能夠在演奏過程中產生獨特的解釋和表現。這種方法突破了傳統音樂的創作模式,將一些決策的權力轉移給了演奏者和偶然性因素。

作曲家可能會使用各種方法來引入不確定性。例如,他們可以使用隨機數字生成器、擲骰子、抽籤,或是設計視覺符號和圖像標識,以指導演奏者的解讀和演奏。這樣的做法可以使每次演奏都變得獨特,並且每位演奏者的解讀和演奏方式都可能有所不同。

不確定性音樂的引入旨在拓展音樂的可能性,探索不同的音樂創作和表達方法。它強調音樂的即興性、創造性和自由性,同時也促使演奏者與聽眾對音樂的理解和體驗產生新的角度。

這種音樂類型受到 20 世紀現代音樂運動的影響,許多作曲家,尤其是約翰·凱奇(John Cage)和克里斯汀·沃倫(Christian Wolff),對不確定性音樂進行了廣泛的探索和發展。這些作曲家通常鼓勵演奏者參與到音樂創作的過程中,並以創意的方式解讀和詮釋作品。

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旋律輪廓

「旋律輪廓」(Melodic Contour)指的是旋律隨著時間的推移在不同音高之間的整體形狀或軌跡。它描述了旋律的升降運動和靜止運動的模式。旋律輪廓是旋律的基本要素之一,影響著它的特性、情感表達,以及聽眾對音樂流動性的感知。

旋律輪廓捕捉了旋律音高運動的起伏,形成了其獨特的形狀。它概述了旋律的一般方向和形狀,指示其是否主要上升、下降,或保持在同一音高上。旋律輪廓可以是簡單或複雜的,從平滑的弧線到鋸齒狀的模式,每個模式都傳遞出獨特的情感和節奏品質。

不同的旋律輪廓會引發聽眾不同的情感反應。上升的輪廓通常會創造出振奮、積極和樂觀的感覺,而下降的輪廓可能會喚起平靜、釋放和內省的情緒。具有升降混合,以及意外音程的輪廓,可以增加緊張感和驚喜感。

旋律輪廓在塑造旋律的敘事和表達方面扮演著重要角色。作曲家和詞曲創作人使用它來引導聽眾進行音樂之旅,突顯關鍵時刻和情感。通過操縱旋律輪廓,作曲家可以創造緊張感和釋放感,建立期待感,並傳達特定的情緒或主題。

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標題音樂

「標題音樂」(Program Music)是一種樂曲類型,旨在通過音樂手段描繪或喚起特定的非音樂意象、故事、場景或情感。不同於「絕對音樂」(Absolute Music),標題音樂是根據一個具體的節目概念或故事情節而創作的,並以此為目的。

標題音樂可以有各種形式,包括交響詩、音詩、序曲和組曲等。作曲家使用各種音樂技巧,如旋律、和聲、節奏、動態和管絃樂,來描繪或暗示預期的節目概念。這些節目概念可以受到文學、詩歌、神話、自然、歷史事件或個人經歷的啟發。

其中一個著名的標題音樂例子是理查德·施特勞斯(Richard Strauss)的《查拉圖斯特拉如是說》,它基於弗里德里希·尼采(Friedrich Nietzsche)的哲學作品。這首音樂遵循著一個敘事結構,旨在描繪尼采文本中呈現的主題和思想。另一個例子是莫德斯特·穆索爾斯基(Modest Mussorgsky)的《圖書展覽會》,它通過對不同場景的音樂描繪來呈現一系列畫作和藝術品。

標題音樂使作曲家能夠通過音樂表達和傳達特定的想法、情感或故事,並邀請聽眾參與其中,用想像力與所描繪的故事或概念產生聯繫。然而,標題音樂也可以僅僅因為其音樂特質而被單獨欣賞,即使不了解特定的節目或敘事內容。

標題音樂這個概念起源於浪漫時期,作曲家如艾克托·白遼士(Hector Berlioz)、弗朗茨·李斯特(Franz Liszt)和理查德·施特勞斯(Richard Strauss)都秉持其可能性。當代作曲家也繼續探索和拓展標題音樂的可能性,致力於推動音樂表達和故事講述的界限。

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共鳴

「共鳴」(Resonance)在音樂中是指當一個物體或聲音振動的頻率與另一個物體的固有頻率相近時,後者會純粹因為前者的振動而產生明顯的振動。在音樂中,「共鳴」可以指音樂樂器的共振現象,也可以指音樂所帶來的情感或情緒共鳴。

在音樂聲響效果中,「共鳴」是指當一個音受到彈撥、敲打、拉奏或吹奏等方式產生的振動時,周圍的空氣和樂器本身的部分會因為頻率的相似而開始共鳴。這導致它們開始共振,從而增強了原始音的聲量和音色。

在情感上,「共鳴」是指音樂所帶來的情感或情緒與聽眾的個人經歷和情感之間的聯繫過程。當音樂表達的情感與聽眾的情感經歷相符時,聽眾可能會產生共鳴感。這可以是因為音樂中的旋律、和聲或節奏等因素而觸發聽眾的情感回憶,或者是因為音樂所表達的情感與他們當下的情感相契合。

「共鳴」在音樂有情感聯繫的功能,使音樂能夠觸及聽眾的情感核心。它也是音樂的一種力量,能夠跨越語言和文化的界限,將音樂家的情感和情緒傳遞給聽眾。

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調性音樂

「調性音樂」(Tonal Music)是指一種基於特定音調中心或調性的音樂創作。它的特點在於將音樂元素(如旋律和和聲)組織成圍繞著中心音(主音)及其相關音階的結構。調性音樂在巴洛克時期得以發展,並成為古典、浪漫時期的主要音樂風格。

調性音樂圍繞著音調中心的概念,這成為作品中的穩定點和參考點。這個音調中心通常由主音和其相關的和聲所確立。選擇的調號決定了音調中心以及音樂中特定的升降號排列。

在調性音樂中,旋律和和聲都是按照主音和其相關音階組織的,通常遵循一些和聲進行和規則。常用的調性包括大調(Major)和小調(Minor),它們為創造不同情感或氛圍的旋律和和聲提供了框架。

調性音樂中的和弦通常是建立在所選音階的音符上,它們之間的關係有助於創造調性音樂的張力和釋放感。調性音樂通常使用和聲進行,通過暫時離開主音,創造張力,然後返回主音,實現令人感到完滿的釋放感。

調性音樂在塑造西方古典音樂以及受其影響的其他流派方面發揮了重要作用。它為作曲家提供了一個有結構的框架,使其能夠創作富有表現力和連貫性的旋律、和聲和音樂形式。儘管調性音樂在音樂傳統中仍然佔有重要地位,但現代時代也出現了無調性和模式音樂等其他方法,這些方法也在現代時代受到了重視。

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