創作技巧

音樂術語
中文
意思
類別
阿爾貝蒂低音

「阿爾貝蒂低音」(Alberti Bass)是一種在鍵盤樂器音樂中常見的伴奏模式,通常由連續的低音音符和交替的中音音符構成,以產生流暢且有節奏感的伴奏效果。這種伴奏模式以 18 世紀義大利作曲家 Domenico Alberti 的名字命名。

阿爾貝蒂低音是一種特殊的伴奏模式,通常在古典音樂和巴洛克音樂中使用,特別是在鍵盤樂器(如鋼琴和古鍵琴)的演奏中。它的特點是以交替的方式播放低音音符、中音音符和高音音符,以形成一種持續的、流動的音樂背景。

阿爾貝蒂低音模式的一個常見形式是將低音音符播放在第一個小節,然後中音音符、高音音符、中音音符分別在後面的三個小節中重複。這種模式的效果在樂曲中營造了節奏感和層次,同時提供了一種舒適的和聲支持。它通常用於伴奏旋律,使旋律能夠在前景中突出,同時保持穩定的音樂背景。

阿爾貝蒂低音的使用不僅限於鍵盤樂器,也可以在其他樂器的伴奏中找到。儘管這種伴奏模式的名字來自 Domenico Alberti,但實際上類似的模式在之前的音樂中也有出現。

創作技巧
機遇音樂

「機遇音樂」(Aleatoric Music 或 Chance Music)是一種音樂創作手法,其中音樂的某些要素,如音高、節奏或形式,由機會或隨機過程確定。在機遇音樂中,作曲家有意地引入不確定的元素,使演奏者能夠作出選擇或解釋,從而影響作品的最終演奏效果。

機遇音樂在 20 世紀中葉興起,作為對依賴預定結構和樂譜的傳統作曲方法的一種反應。作曲家試圖在作品中引入即興、不可預測性和開放性。這是通過引入機會、隨機性或即興的元素實現的。

機遇音樂的作曲家通常使用各種技巧來將隨機性引入其作品。這可能涉及使用骰子、硬幣或其他方法來決定音樂參數。例如,作曲家可以將不同的音高分配給骰子擲出的結果,從而產生一個由機會決定的旋律。同樣,節奏、音量和其他元素也可能受到基於機會的決策的影響。

演奏機遇音樂的演奏者需要解釋給定的指示,並在演奏過程中作出實時的決策。這為演奏者和聽眾帶來了獨特的體驗,因為每次演出都成為作曲家旨在創造的框架的獨特詮釋。

與機遇音樂相關的重要作曲家包括約翰·凱吉(John Cage)、卡爾海因茨·施托克豪森(Karlheinz Stockhausen)和厄爾·布朗(Earle Brown)。例如,約翰·凱吉的作品《變革之音樂》("Music of Changes")在確定音高、節奏和音量方面引入了機會元素,結果產生了高度實驗性和不可預測性的音樂體驗。

機遇音樂挑戰了傳統的作曲和演奏觀念,鼓勵作曲家、演奏者和聽眾之間的合作關係。它常常鼓勵聽眾擁抱意外,探索音樂詮釋的新維度。

創作技巧
編曲

「編曲」(Arrangement)是指將一首音樂作品中的音樂元素重新調整和組合,以適應不同的樂器配置、風格或背景,同時保留其核心旋律、和聲和結構。編曲涉及對樂器配置、和聲、節奏、速度、音量和其他音樂元素做出創意性的選擇。

編曲是音樂創作的重要部分,作曲家或編曲者將現有的音樂作品進行轉化,以適應特定的用途、合奏或音樂類型。編曲的複雜程度可以從為不同樂器進行簡單的調整,到進行複雜的重新創作,將新的層次和紋理添加到原始音樂材料中。

編曲的過程通常涉及決定哪些樂器將演奏哪些部分,如何編排和聲,以及如何調整節奏和音量。這需要對音樂元素和不同樂器的能力有深刻的理解。編曲者還可以添加變奏、獨奏、對位旋律和其他創意元素,以增強編曲效果。

編曲可以用於重新詮釋古典作品,使其適用於現代背景;將流行歌曲改編成管弦樂版本;創作爵士標準曲目的新版本;或將電子音樂轉化為原聲樂器演奏。它為音樂家提供了展示創意的機會,也使合奏可以探索對知名曲目的不同詮釋。

創作技巧
無調性

「無調性」(Atonality)是一種音樂風格,不受傳統音樂的調性體系約束,而是基於無調性的音階和和聲結構。在無調性音樂中,沒有一個特定的音符作為音樂的中心,也不遵循常見的調式進行。

無調性起源於 20 世紀初,它在音樂中引入了一種全新的聲音和和聲結構觀念。與傳統的調性音樂不同,其中音樂通常基於特定的調式或音階,無調性音樂的主要特點是缺乏明顯的調性中心。這意味著音樂不再依賴於傳統的和聲進行,並且音符的選擇和組合更加靈活。

在無調性音樂中,音符之間的關係可以更加複雜,並且可以進行更多的實驗和創新。和弦可能不再具有傳統的和聲功能,音階可能不再遵循常見的模式,從而創造出獨特且非傳統的音樂效果。作曲家通常使用無調性音樂來表達情感、觀念和抽象概念,而不受傳統調性的限制。

雖然無調性音樂在一些情況下可能聽起來較為複雜,但它也能夠產生引人入勝且具有挑戰性的音樂體驗。許多 20 世紀的作曲家,如阿諾·荀白克(Arnold Schoenberg)、阿班·貝爾格(Alban Berg)和安東·韋伯恩(Anton Webern),在他們的作品中採用了無調性的元素。

創作技巧
數字低音

「數字低音」(Basso Continuo)是巴洛克音樂中的一種基礎技巧,涉及通過低音線和一系列表示在其上演奏的和聲的數字,提供連續的和聲伴奏。通常在鍵盤樂器(如大鍵琴、風琴或鋼琴)上演奏,並搭配低音樂器(如大提琴或巴松管)一起演奏,低音伴奏同時作為音樂的和聲和節奏框架。

數字低音是巴洛克音樂的核心元素,為當時的作品提供了支持和結構。低音線通常由低音樂器演奏,勾勒出樂曲的基本和聲進程。數字以數字形式寫在低音的上方或下方,指示在低音上方演奏的音程和和聲,使演奏者能夠創建豐富多變的和弦伴奏。

數字低音部分中的記號通常是以數字和簡單符號組成,為演奏者提供指示,告訴他們要演奏哪些音程或和弦。演奏者使用這些數字來即興演奏並實現和聲,填充音樂的紋理。這種做法在保持作曲家整體和聲結構的同時,允許一定程度的自由和創造力。

數字低音在各種巴洛克音樂形式中廣泛使用,包括歌劇、室內音樂和管弦樂作品。它的存在增添了音樂紋理的深度和豐富性,並為音樂的表現性質做出了貢獻。

儘管隨著音樂的發展,數字低音逐漸不再被使用,但其影響和技巧對音樂理論和演奏實踐產生了持久的影響。它在塑造巴洛克時期的和聲和伴奏風格方面扮演了關鍵角色。

創作技巧
頑固低音

「頑固低音」(Basso Ostinato)指的是在中首作品中的一個固定低音或和弦不斷重複,而在其上演奏的旋律和和聲則變化豐富。這種技巧在音樂中創造出強烈的循環感和統一感,經常用於巴洛克和早期古典音樂中。

頑固低音的關鍵是低音部分的持續重複。這個固定的低音音型可以是一個短暫的音程序列或和弦進行,它在整個作品中保持不變。而在這個固定低音的上方,上層聲部的旋律、和聲和節奏則可以隨著時間的推移而變化,創造出各種變化。

頑固低音創造了音樂的循環性,使聽眾在作品中聽到重複的低音主題。同時,它也為作曲家提供了一個探索不同變奏、情感和效果的機會。作曲家可以在上層聲部中插入對位旋律、變奏、對比和發展,以營造出多樣性的音樂效果。

頑固低音經常在舞曲、變奏曲和奏鳴曲等作品中使用。它使作曲家能夠在固定的和聲結構下展示創造力,並為音樂帶來統一感和穩定性。這種技巧的使用也常常引起聽眾的注意,因為他們能夠在整個作品中追踪並欣賞基於低音的變化。

創作技巧
機遇音樂

「機遇音樂」(Chance Music 或 Aleatoric Music)是一種音樂創作手法,其中音樂的某些要素,如音高、節奏或形式,由機會或隨機過程確定。在機遇音樂中,作曲家有意地引入不確定的元素,使演奏者能夠作出選擇或解釋,從而影響作品的最終演奏效果。

機遇音樂在 20 世紀中葉興起,作為對依賴預定結構和樂譜的傳統作曲方法的一種反應。作曲家試圖在作品中引入即興、不可預測性和開放性。這是通過引入機會、隨機性或即興的元素實現的。

機遇音樂的作曲家通常使用各種技巧來將隨機性引入其作品。這可能涉及使用骰子、硬幣或其他方法來決定音樂參數。例如,作曲家可以將不同的音高分配給骰子擲出的結果,從而產生一個由機會決定的旋律。同樣,節奏、音量和其他元素也可能受到基於機會的決策的影響。

演奏機遇音樂的演奏者需要解釋給定的指示,並在演奏過程中作出實時的決策。這為演奏者和聽眾帶來了獨特的體驗,因為每次演出都成為作曲家旨在創造的框架的獨特詮釋。

與機遇音樂相關的重要作曲家包括約翰·凱吉(John Cage)、卡爾海因茨·施托克豪森(Karlheinz Stockhausen)和厄爾·布朗(Earle Brown)。例如,約翰·凱吉的作品《變革之音樂》("Music of Changes")在確定音高、節奏和音量方面引入了機會元素,結果產生了高度實驗性和不可預測性的音樂體驗。

機遇音樂挑戰了傳統的作曲和演奏觀念,鼓勵作曲家、演奏者和聽眾之間的合作關係。它常常鼓勵聽眾擁抱意外,探索音樂詮釋的新維度。

創作技巧
對位法

「對位法」(Contrapuntal)是一種作曲技巧,涉及將多個獨立的旋律線或聲部結合在一起,每個旋律線都有自己獨特的節奏和輪廓。這種技巧創造了一種豐富的音樂紋理,其中每個聲部在相同的和聲中與其他旋律互動,為音樂作品的整體複雜性和深度做出貢獻。

對位音樂涉及兩個或多個旋律線的互動,這些旋律線彼此獨立地移動。這些線保持其獨特性,同時遵循特定的和聲和節奏規則。對位寫作可以在各種音樂形式中找到,包括賦格、卡農和其他複調作品。

在對位作品中,旋律線以其獨特的節奏和旋律模式為特徵,通常產生一種和諧的結合,這種結合的價值超越了其各個部分的總和。這些聲部可以互相反映,以不同的音程相互模仿,或創造複雜的和聲關係。聲部之間的交互作用可能會產生張力和釋放感,而熟練的作曲家使用這種技巧來創造複雜而引人入勝的音樂體驗。

「Contrapuntal」一詞源於拉丁詞「contra」(對著)和「punctum」(點),突顯了獨立的聲部交織在一起創造和諧整體的概念。

創作技巧
對位法

「對位法」(Counterpoint)是一種作曲技巧,指的是一個作品之中的其中兩個或多個獨立的旋律線同時存在,並在和聲、節奏和旋律方面相互交織。這種技巧通常涉及將不同的旋律線以方式呈現,以在同一時間創造和聲和對比。

對位法的核心概念是在同一音樂作品中結合多個獨立的旋律線,每條線都保持其獨特的旋律輪廓、節奏和節拍。這些獨立的旋律線相互交織,同時遵循特定的和聲法則,形成一種豐富且有機的音樂紋理。對位法可以應用於不同的音樂類型,包括古典音樂、巴洛克音樂和現代音樂。

對位法的不同變體包括賦格、卡農和複雜的對位結構。在賦格中,主題(主要旋律)在不同聲部之間反復出現,形成多個重疊的主題。在卡農中,一個旋律在不同聲部之間逐步重現,形成類似的音樂輪廓。這些技巧都能夠創造緊湊、複雜且引人入勝的音樂結構。

對位法的目標是同時保持多個旋律線的獨立性和和諧,從而創造出具有層次和深度的音樂。這種技巧要求作曲家具有對和聲法則、節奏、旋律和聲部互動的深入理解,以便編寫出富有表現力且平衡的音樂作品。

創作技巧
數字低音

「數字低音」(Figured Bass),是巴洛克時期使用的一種音樂符號系統,用於指示鍵盤樂器和其他樂器在合奏中的和聲和伴奏。數字低音提供了一組數字和符號,位於低音旋律下方,引導音樂家實時創建和聲和和弦進行,並允許即興演奏和裝飾。

在巴洛克時代,作曲家通常在樂譜中提供一條低音旋律,並在其下方附有數字(數字和符號)。這些數字代表了應該在低音旋律上方演奏的音程和和弦性質,以創建和聲。熟悉數字低音解讀的音樂家,稱為「Continuo Players」,使用這些數字作為指南,根據當時的傳統即興演奏並填充和聲。

例如,「6」用於表示音樂家應該在低音音符上方演奏六度的音程,而「4 3」用於表示七和弦的第一轉位。數字低音標記允許在實現和聲時具有靈活性和創造力,使每次演奏都獨一無二。

數字低音在鍵盤音樂(如古鍵琴或管風琴)以及低音樂器(如大提琴或巴松管)與和聲樂器(如魯特琴或豎琴)一同演奏的合奏中常見。連續演奏者將閱讀低音旋律和數字,同時根據需要即興演奏適當的和聲並填充音樂紋理。這種做法為巴洛克音樂的豐富和裝飾性聲音做出了貢獻。

儘管數字低音標記在現代音樂中變得較少見,但其原則影響了和聲和和弦進行的理解,並仍然是歷史演奏實踐的重要方面。

創作技巧
固定低音

「固定低音」(Ground Bass)是一種音樂作曲技巧,特點是在音樂作品中重複出現的固定低音旋律或和弦進行。這種低音旋律不斷地重複,而在上方的旋律則可以變化,這種固定結構為音樂創作帶來了獨特的組織和情感表達方式。

固定低音是一種在音樂中創建固定和重複的低音旋律的技巧。這種低音旋律可以是一組音符或和弦的序列,通常在整首音樂作品中持續重複,而上方的旋律則可以在這個固定的基礎上進行變化。

這種技巧在音樂中創造了獨特的結構,可以用來表達各種情感和主題。固定低音的重複性可以為音樂帶來穩定感,同時為上方的旋律提供了一個變化的平臺。作曲家可以通過在上方的旋律中引入變化,創造出情感的高潮、變化和對比。

固定低音的例子可以在巴洛克時期的音樂作品中找到,尤其是在賦格、主題與變奏和各種舞曲中。這種技巧也在其他音樂時期的作品中得到了延續和發展,展示了不同的創作和表達方式。

創作技巧
配器法

「配器法」(Instrumentation)是指在音樂作品中選擇、安排和組合不同樂器的過程。這涉及到選擇特定樂器來呈現音樂作品的聲音和意境,以及分配不同樂器的音樂部分,以創造出所需的音樂效果。

配器法在音樂中起著關鍵作用,它決定了音樂作品的聲音特色、層次和情感表達。作曲家在創作音樂時會根據作品的性質和目標,選擇適合的樂器,並將它們組合成一個統一的音樂整體。

每種樂器都具有獨特的音色和音質,並且在不同音域內發揮不同的特點。例如,小提琴的音色明亮高亢,而大提琴的音色深沉飽滿。作曲家會根據需要的聲音特點來選擇樂器,以在音樂中創造出所需的情感和情緒。

配器法不僅關乎選擇樂器,還涉及到如何分配和組合不同樂器的部分。作曲家會決定哪些樂器演奏主旋律、伴奏、和聲等不同的音樂部分。這種分配有助於建立音樂的結構和層次,使不同樂器在音樂中有所協調,而不會相互造成衝突。

配器法的選擇和設計也受到演出場合和音樂風格的影響。不同的音樂風格和流派可能會使用不同的樂器組合,以達到所需的風格和效果。另外,大型管弦樂隊、室內樂團、合唱團等不同的音樂組織也會有不同的配器法。

創作技巧
混音

音樂製作中的「混音」(Mixing)是指將各個獨立的音頻軌道或元素結合成一個協調和平衡的立體聲或多聲道音頻輸出的過程。這涉及調整音量、聲道平移、等化、動態和效果等多種參數,以創建一個精緻且聲音愉悅的最終混音。

混音是音樂製作過程中至關重要的階段,通過這個階段,原始錄音或虛擬樂器被轉變成專業而身臨其境的聆聽體驗。這是將不同的元素(如人聲、樂器、鼓聲和效果)平衡在一首歌曲中的藝術,以實現和諧且定義明確的聲音景觀。

在混音過程中,每個獨立的音軌都會根據音量水平進行調整,以確保沒有任何元素在整體混音中占主導地位或遺失。聲道平移用於在立體聲領域中定位每個音軌,創建樂器之間的空間感和區分度。等化(EQ)用於調整每個音軌的頻率內容,增強清晰度,避免頻率衝突。動態處理,包括壓縮和限幅,有助於控制音量水平,突顯每個元素的細微差異。

此外,混音還包括添加混響、延遲、合唱等效果,以增加混音的深度和層次。這些效果有助於音頻的空間質量和整體氛圍。此外,自動化用於隨著時間調整參數,例如淡入/淡出、調整EQ和更改效果設置,以創造混音中的運動和動態。

現代混音通常使用數字音頻工作站(DAWs)進行,這些工作站提供了各種工具和插件,以塑造和增強聲音。混音工程師可能還會使用參考音軌和專業的工作室監聽器,以確保最終混音在不同的播放系統中能夠很好地傳遞。

混音的目標是創建一個平衡、清晰和有影響力的歌曲音頻表現,捕捉所期望的情感和信息。技術嫻熟的混音工程師能夠在提高音頻質量的同時做出藝術性的決策,從而產生專業而引人入勝的最終作品。

創作技巧
管弦樂編制法

「管弦樂編制法」(Orchestration)是指將音樂作品編排和組織成為管弦樂團或其他音樂團隊能夠演奏的形式的過程。它包括選擇特定的樂器,為它們分配特定的音樂角色,並確定它們之間的互動,以實現音樂作品所需的聲音和表達特性。

管弦樂編制法是將音樂作品注入色彩的關鍵步驟,特別是在大型樂隊如管弦樂團中。作曲家通過管弦樂編制法將他們的音樂理念從樂譜轉化為實際的樂器聲音。在管弦樂編制法中所做的選擇深刻地影響音樂的色彩、紋理和情感影響。

在管弦樂編制法中,作曲家決定哪些樂器將演奏作品的不同部分。這包括將旋律、和聲、伴奏甚至特殊效果分配給管弦樂團中的特定樂器或樂隊的不同部分。作曲家的選擇要考慮每種樂器的獨特音色特性,確保它們能和諧地融合並傳達所期望的情感。

此外,管弦樂編制法涉及平衡樂器的音量和奏法,以在樂團中創造對比、平衡和統一感。配器師還必須考慮每種樂器的音域和能力,確保樂譜對音樂家而言是可演奏且舒適的。

管弦樂編制法技巧可以因作曲家的風格、音樂流派和使用的具體樂隊而有很大的差異。熟練的管弦樂編制法師了解如何發揮每種樂器的優勢,創建豐富的音樂紋理,並充分發揮樂隊的潛力。

管弦樂編制法不僅僅涉及選擇樂器,還包括確定管弦色彩、配器密度以及在樂隊內部的音響分佈等因素。諸如重奏(多個樂器演奏相同的部分)、分奏(將樂隊分為多個部分)以及顫音、顫弓、彈撥等管弦效果也在管弦樂編制法中發揮作用。

創作技巧
固定音型

「固定音型」(Ostinato)是一個音樂術語,指的是在作品中重複出現的音樂模式或動機,作為構成作品基礎的元素。這種重複的模式可以是旋律、節奏、和弦進行,甚至是單一音符。固定音型經常用來提供一個一致且易識別的背景,其他音樂元素(如旋律或和聲)可以在其上發展。

固定音型在創建作品的音樂紋理中扮演著重要角色。它們為其他音樂思想的建立提供了穩定且重複的框架。固定音型的重複性可以有助於音樂節奏的推動和整體結構。此外,固定音型可以在作品中建立特定的情緒或氛圍。

固定音型在各種形式和音樂流派中都可以找到。它們在古典音樂中常見,特別是在路德維希·范·貝多芬(Ludwig van Beethoven)和伊戈爾·斯特拉文斯基(Igor Stravinsky)等作曲家的作品中。它們在民間音樂、世界音樂和現代流行音樂中也扮演著重要角色,電子迴圈中的循環模式通常用作固定音型。

在某些情況下,固定音型可能被用作變奏的基礎,創建出圍繞著重複模式的一系列變化的旋律或和聲。固定音型也可以與其他固定音型進行層疊,形成複雜且豐富的音樂紋理。

創作技巧
縮編

「縮編」(Reduction)指的是將複雜的音樂作品或樂譜簡化成一個更易於操作或由較少樂器或聲部演奏的版本的過程。這種技巧常用於教學、排練或將大型作品改編成小型合奏。縮編的目標是保留基本的音樂元素和整體結構,同時適應演奏人數的限制。

在音樂中,「縮編」涉及將原本為完整管弦樂團、合唱團或大型合奏所編寫的作品,創建成一個縮減版本,可以由小型樂團或少數樂器演奏。例如,一首管弦樂曲的縮編可能涉及將管弦樂的部分改編成單獨的鋼琴或小型室內樂合奏的樂譜。

縮編尤其適用於排練用途。它使指揮、音樂家和歌手可以在與整個合奏進行排練之前,專注於作品的特定部分和細微之處。這種方法有助於確保所有演奏者能夠充分準備,並熟悉自己對整體聲音的貢獻。

此外,在資源有限的情況下演奏音樂,或在較小的場地中演出,可能難以容納完整的管弦樂團或大型合唱團。縮編提供了一種方式,既保留了作品的基本特質,又讓小型合奏可以演奏出來。

縮編需要仔細的考慮和技巧,以捕捉基本的旋律、和聲和紋理,同時適應簡化的樂器編制。作曲家、編曲家和改編者通常會承擔這個任務,以確保簡化版本忠實於原作。

創作技巧
十二音技法

「十二音技法」(Twelve-tone Technique)是 20 世紀現代音樂中的一種作曲方法,由奧地利作曲家阿諾·荀白克(Arnold Schoenberg)所創立。這種技法基於一個音列,其中包含了 12 個不同的音高,並且每個音高只能在音列中出現一次,以避免傳統的調性層次。

「十二音技法」是一種革命性的作曲方法,旨在挑戰傳統的音樂調性體系,並引入新的聲音結構。這種技法的核心概念是音列,它是由 12 個不同的音高組成,以固定的順序排列。這 12 個音高不會重複,這意味著在音樂作品中,每個音高只能在音列中出現一次。

作曲家使用這個音列作為創作的基礎,可以進行各種變化,如逆行(從音列的最後一個音高開始向前),倒影(將音列上下翻轉),以及音程轉換等。通過這些變化,作曲家能夠創造出新的旋律、和聲和節奏,同時保持音列的結構。

「十二音技法」的引入標誌著現代音樂中對於創作和音樂結構的創新思考。它打破了傳統的調性約束,並將音樂的組織原則重新定義。這種技法在 20 世紀的現代音樂中得到了廣泛應用,許多作曲家都使用了十二音技法來創作具有獨特聲音特點的音樂作品。

儘管「十二音技法」在創作方法和音樂結構上帶來了革命性的變化,但它也引起了不同的評價和爭議,一些人讚揚它為音樂帶來新的可能性,而另一些人則對它所引入的新音樂語言表示保留。

採用十二音技法的著名作曲家包括阿諾·荀白克(Arnold Schoenberg)、阿爾巴尼·柏格(Alban Berg)和安東·韋伯恩(Anton Webern),他們合稱為「第二維也納樂派(Second Viennese School)」。他們的作品以及後來受到這種技法影響的作曲家的作品,為現代和當代古典音樂的發展做出了貢獻。

創作技巧