樂器練習指南

文章類別:練習技巧
文章作者:Frankie Chan, Mrs Yau
Read the music carefully
在練習樂器的過程中,我們很容易會忽略了一些重要的演奏元素(因為我們都需要在練習中的每一個時刻都注意著各種彈奏細節,包括演奏姿勢、技巧、節奏、音準、和弦、感情、音色、分句…)。若我們一直「錯誤地練習」,不單會拖慢我們的學習進度,更可能會導致學習出現屏障,甚至難以將演奏效果達至更高水平。在審視自己過去的學習過程,以及一直觀察著學生們的成長,我們嘗試在此指出學生們在練習樂器時比較常犯的毛病,並希望透過一些建議,幫助學生找出更有效的練習方法。
目錄

樂譜上的細節

其中一個學生最常犯的毛病,就是在練習時沒有注意到樂譜上的細節。雖然「注意樂譜上的各種細節」看似平庸簡單,但事實上,有很多學生都會在練習時「選擇性地彈奏自己覺得重要」的東西,而忽略了很多由作曲家/出版商認為「演奏者需要注意而刻意標明在樂譜上」的元素。

從最基本的層面來說,由作曲家/出版商標明在樂譜上的元素包括調性(Key Signature)、臨時記號(Accidental)、拍子記號(Time Signature)、速度(Tempo)、強弱(Dynamics),還有其他各種不同的音樂術語(Musical Terms)。

正在學習音樂的您,您確定自己在練習時已經盡力做好以上這些元素了嗎?您願意在此刻翻開樂譜,並從頭到尾翻查自己有沒有在練習時忽略了任何一樣「作曲家想您知道」的事情嗎?

除了被寫在五線譜周圍的各種記號外,還有幾個無比重要的元素被標示在樂譜上頂端或封面頁,包括樂曲的標題(Title of the Music)、作曲家的名稱(Composer’s Name)、作曲家的國籍(Composer’s Nationality)、作曲家出生及逝世年份(Composer's birth and death)。

為甚麼「音符」以外的資訊,同樣是「無比重要」?其實,部份樂曲的「標題」是描述了樂曲的種類,如協奏曲(Concerto)或奏鳴曲(Sonata)。就以上兩種曲式而言,協奏曲會分別出現樂團齊奏(Tutti)及獨奏(Solo),而奏鳴曲代表由一位至數位演奏家共同演奏的音樂…這就已經是在「樂曲標題」中可以得到的其中一個非常重要的信息了,而這個信息是必然會對您的演奏帶來絕對性的影響。

至於作曲家的名稱、作曲家的國籍、作曲家出生及逝世年份…要知道,我們在演奏音樂時,都會務求「盡可能以作曲家的創作原意」去演奏該作品,所以我們要學會代入作曲家的思想去演奏。因此,我們要知道「我們正在演奏哪位作曲家的作品」、「作曲家是屬於哪一個國家,而這個國家的音樂創作風格是甚麼」、「作曲家是屬於哪一個時期,而這個時期的音樂特色是甚麼」,「這個曲子是在哪個年份創作,而作曲家在這個時候經歷了甚麼」、「作曲家因經歷了甚麼而寫下這個曲子」、「這個曲子想表達的是甚麼」等等。

如果您想演奏出好的音樂,或者希望繼續培養自己的音樂素養,注意樂譜上的各種細節是一個不可或缺的部份,而某些標記可能是需要您額外再花時間去理解的。簡單來說,如果您對樂譜上的各種記號感到疑問或好奇,即代表您需要去尋找答案,然後再經過一段日子,您就會對該樂曲或作曲家有著更深的理解。

投入在自己的練習中

學習音樂需要反覆的練習,我們可能要將一個樂句重覆練習數十次,數百次,甚至數千次才可以將演奏效果達至更高水平。

如果學生在練習了很長時間之後,也沒有達到預期中的成效,有可能是因為學生練習時的專注力未夠集中而造成。試想像,如果某一樂句被您重覆練習了五千次:您在一開始練習該樂曲時盡力地做好各項要求,直至第一百次…在第一百零一次開始,由於您覺得自己已經掌握了部份彈奏技巧,您嘗試放鬆心情,以純粹「享受」樂句的心態去彈奏該樂曲,直至第一千次…在第一千零一次開始,您覺得您克服了大部份彈奏技巧,然後您麻木地重覆彈奏,看似反覆且勤奮的練習,好像是在加強您的肌肉記憶。可是,實際上,如果您的精神沒有投入在您的練習之中,您可能已經錯過了很多音樂中的重要元素,然後您繼續無意識地以這種狀態重覆地「練習」…結果,「麻木演奏」、「忽略了各種音樂元素的練習」變成您的日常…

為避免捲入不良的練習旋渦,「適時休息」可以為您帶來很大的幫助。舉例來說,如果您要為自己定下每天練習三小時的目標,切勿由第一分鐘開始,練到三小時的結束。更好的做法是,在練習五十分鐘之後,讓自己休息十分鐘。在開始第二小時的練習之前,您需要首先「刷新」自己的大腦,讓自己重回「第一小時」的活力,然後再練五十分鐘,再休息十分鐘,「刷新大腦」,然後再練習。

除了適當的休息之外,為自己練習設下具體的目標也可以為練習帶來更好的成效。舉例來說,您在第一小時的練習,可能是盡力將樂譜上的各種細節融入到您的演奏技巧之中…至於下一小時的練習,您同樣要要求自己在彈奏時融入各種不同的音樂細節,並嘗試將彈奏速度從 80 bpm逐步調整至 88 bpm…

選擇合適的練習速度

在練習時,我們都希望自己能夠以「正式的速度」去彈奏樂曲,因為我們聽演奏家彈奏該樂曲的時候都是以「正式的速度」去演奏,而非「我們正在練習的速度」…由於我們都很想「更專業」地彈奏音樂,或者模仿各位大師的演奏,所以我們從心底裡就不願意以「比正常速度慢」的方式去練習。

很可惜,如果我們太早以「太快的速度」去練習,可能會導致彈奏技巧上出現肌肉運用的問題,繼而影響節奏及樂句措辭上的穩定性…

然而,如果「慢練」了一段日子也沒有顯著的成效,可能是因為學生在「慢練」的過程中只著重肌肉上的「放慢」,卻沒有調整心態上的節奏。事實上,幾乎所有練習都是從心態上開始做起…簡單來說,若您選擇以不同的速度練習,在生理上,您也需要調整您的呼吸系統。所以,若您願意選擇以較慢的速度練習,您亦需要慢的呼吸,並且要讓自己的精神完全投入到比較慢的音樂版本之中。

所以,學生練習時,應該要先在「稍為緩慢」的速度中掌握各種彈奏技巧,以及音樂意念上的控制,然後才逐步將彈奏速度調整至正式的演奏速度。一旦我們察覺到自己在練習時無法達到「得心應手」的效果,再一次「調整樂曲速度、心態」總是一個直接而有效的選擇。

切勿過度專注於某種彈奏技巧

可能,我們每一個人都試想過:「我今次彈奏只注意音準拍子,下次再處理其他音樂動態」…或者「我今次只會注意音符,下次再處理拍子」…甚至是「我今次只會注意音符,下次再處理調性和臨時記號」…

事實上,各種與上述類近的想法,皆不屬於理想的練習方法。相反,我們皆需要在練習時讓自己盡可能同時實踐多項「任務」,而不是選擇性地練習音樂中的某種元素。然而,雖然我們不建議學生「選擇性地彈奏某種音樂元素」,但我們可以在另一方便做選擇,那就是「練習或彈奏的範圍」,而這個就是「深度」與「長度」的區別。

當練習或彈奏範圍(即音樂長度)縮小的時候,事情就會變得較簡單了,而「全面地將各種音樂細節(即音樂深度)從練習中展顯出來」也將成為一個可預期的結果,因為我們的目標不再是「盡力將三百個小節完美無瑕地彈奏出來」,而是「盡力將四個或八個小節完美無瑕地彈奏出來」。

總而言之,每一次練習樂器時皆需要盡量讓自己保持集中,而每一次彈奏的樂句也要盡可能顧及更多的音樂元素。在練習時,學生可以選擇音樂的長度,但不可以選擇性地去練習音樂的深度。

以上內容純屬下列導師的分享,並不代表其他導師的立場。若有不足之處,敬請指正。

感謝導師撰寫文章

Frankie Chan

Frankie Chan

美國加洲浸會大學, 香港浸會大學
音樂碩士
小提琴, 西方音樂理論
Mrs Yau

Mrs Yau

意大利 Achille Peri 大學, 美國紐約曼尼斯音樂學院
音樂碩士
古典結他

Canon in D(卡農)

Canon in D 是德國作曲家 Johann Pachelbel(譯:約翰.帕海貝爾)的作品,亦是當代最廣為人知的古典音樂作品之一。Canon in D 的「初版」由三支小提琴,伴隨一件(或數件)低音樂器一起演奏,後來被改編為各種形式的演奏版本(例如鋼琴獨奏、管弦樂團演奏的 Canon in D,皆屬改編版本)。它的創作日期並沒有明確被記載,但一般認為是創作於 1680-1706 年之間。
點擊閱讀全文

路德維希·范·貝多芬

路德維希·范·貝多芬,德國作曲家,古典至浪漫過渡時期間的主要音樂人物。他在西方音樂史上佔有前所未有的統治地位,一直被廣泛認為是有史以來最偉大、最具影響力、最受歡迎的音樂家。

貝多芬的音樂傳承了海頓和莫札特的古典藝術氣息、滲透了個人對尊嚴的渴望、宣洩了他被命運折磨的憤怒、展示了他與命運抗衡的決心。

比起任何一位音樂家,貝多芬能夠更有力地透過音樂與聽眾交互生活哲學。儘管他不是浪漫主義者,卻成為了其他浪漫主義者所追隨的對象。

貝多芬是一位音樂創新者,他拓寬了奏鳴曲、交響樂、協奏曲和四重奏的規模。在貝多芬第九交響樂《快樂頌》之中,他以前所未有的方式將聲樂和器樂結合在一起。

作為音樂家,貝多芬飽受耳疾折磨。然而,他不甘於向命運屈服,誓要扼住命運的咽喉,繼續去完成他的事業。他在生命中的最後十餘年,在完全聽不到聲音的情況下,寫下了影響後世近二百年音樂發展的重要作品。

點擊閱讀全文

小提琴大師:海飛茲

雅夏·海飛茲(Jascha Heifetz),二十世紀最偉大的小提琴家之一,以「精湛技巧、無瑕演奏」的演奏風格而聞名。他的聲音有著鮮明的獨特性,小提琴家伊扎克·帕爾曼(Itzhak Perlman)曾經說道:「沒有人能夠演奏得像海飛茲一樣-那種澎湃的力量…他徹底改變了現代小提琴的演奏水平,而我們沒有人能夠達到他的標準」。
點擊閱讀全文

G Song by Terry Riley

As an iconic American composer, Terry Riley (born 1935) is always considered as a minimalist. However, this kind of thoughts would be ignoring part of his creativity. In fact, Riley added plenty elements in his compositions since 1970s, especially when he started collaborating with the Kronos Quartet. Riley's composing style is very extensive, including improvisation, polyrhythm and jazz. He adopted classical elements, such as instrumentation, musical forms, structure and tonality. He also combined the elements from different periods to create unique musical textures. This research focuses on Terry Riley’s String Quartet, G Song. The research will be divided into two parts. The first part introduces Riley’s life and the background of G Song. The second part focuses on music analysis, including the musical structure "Two forms in one work"; The harmony "Unresolved Dissonance"; The rhythm "Metric Modulation"; The baroque "Canon"; The modern "Pointillism". The purpose of this study is to discuss how Riley combined classicism and modernism into a work, and discuss why the statement "Terry Riley is considered as minimalist" would be ignoring part of his story.
點擊閱讀全文